3 December 1922, Moheda, Kronobergs län, Sweden / 20 September 2006, Stockholm, Sweden
Durante su larga carrera, que duró más de cincuenta años, se le ha considerado como uno de los más grandes cinefotógrafos de la Historia. Nykvist perfeccionó el arte de la fotografía hasta su más simple escencia y le agregó a los filmes en los que trabajó un toque natural inmejorable. Sin que la luz se convierta en una invasión, el cineasta logró utilizar la luz para sacar el tono de la piel que denotara la emoción de la escena a rodar.
La colaboración con Igmar Bergman fué una de las más gloriosas de la historia del cine. Nykvist creó un look muy distinto para cada uno de los planteamientos fílmicos de Bergman en el caso de la trilogía "Fe". Así como una lista de clásicos del séptimo arte como Persona, Fresas Salvajes, Gritos y Susurros o Fanny y Alexander
Desde los años 70 Nykvist emigró a otras cinematografías en Europa y América haciendo mancuerna con Directores como Louis Malle (Pretty Baby (1978)), Philip Kaufman (The Unbearable Lightness of Being (1988)), Bob Fosse (Star 80 (1983)), Nora Ephron (Sleepless in Seattle (1993)), Woody Allen (Another Woman (1988), Crimes and Misdemeanors (1989)), Richard Attenborough (Chaplin (1992)), Lasse Hallström (What's Eating Gilbert Grape (1993)).
Cita Personal Hoy hacemos todo más complicado. La luz, las cámaras, la actuación. Me ha tomado treinta años llegar a lo más simple.
Slocombe ha trabajado con Directores de los años dorados de Hollywood, John Houston, George Cukor, Fred Zinnemann, "Maestros de su arte pero más interesados en la historia que en la fotografía", según explica Slocombe; Directores como Norman Jewison, Joseph Losey "Creadores que controlaban el resultado general de la película pero que aún me confiaban los detalles de la imagen"; Y Directores como Polansky y Spielberg "Directores natos, hacen todo con completa naturalidad. Ambos son capaces de hablar sobre objetivos e involucrarse con la cámara" (Sacado del libro de Peter Ettedgui, Directores de Fotografía de Editorial Oceano)
Universalmente reconocido como el más grande cinefotógrafo de la Historia, Jack Cardiff inicia su carrera como "foquero", que fue un oficio que el reconoció como el primer pincel y rudimento en fotografía en toda su carrera, desde los siete u ocho años Cardiff se enamoró del uso de la luz y el color en la pintura y relata como observaba a los directores teatrales pintando decorado y arreglando las luces...
Citas:
La mayoría de los Directores que han estado en esto por un tiempo, adquieren esa imagen obscura, dura y de alma desgarrada igual a la de los pilotos que han sobrevivido una guerra.
Tipo de cine que se acerca más a la pintura no figurativa que al cine de ficción basado en la literatura y el teatro..
Rhytmus 21 de Hans Richter rodada en 1921 es un ejemplo de los primeros antecedentes del cine de animación:
Vikking Eggeling propone en 1924 su sinfonía diagonal, que es un dibujo animado de formas en constante movimiento:
En 1924, Fernand Léger, realiza una danza de objetos en su filme Ballet mécanique:
En los años cuarenta y cincuenta en EEUU diversos cineastas que proceden de la pintura como James Whitney se encargan de hacer propuestas de formas no figurativas y su relación con la música en películas como Variations on a circle:
Tipo de cine que se acerca más a la pintura no figurativa que al cine de ficción basado en la literatura y el teatro..
Rhytmus 21 de Hans Richter rodada en 1921 es un ejemplo de los primeros antecedentes del cine de animación:
Vikking Eggeling propone en 1924 su sinfonía diagonal, que es un dibujo animado de formas en constante movimiento:
En 1924, Fernand Léger, realiza una danza de objetos en su filme Ballet mécanique:
En los años cuarenta y cincuenta en EEUU diversos cineastas que proceden de la pintura como James Whitney se encargan de hacer propuestas de formas no figurativas y su relación con la música en películas como Variations on a circle:
El director puede decidir mover la acción frente a la cámara o puede decidir mover la cámara junto con la acción. Mover la cámara requiere una gran planeación y tiempo para hacer coincidir los momentos fílmicos, así como la actuación. El movimiento de cámara puede crear una ilusión de lentitud pues resulta más dinámico editar una serie de cortes rápidos y representar la mismo información. Se debe escoger el estilo de puesta en escena o puesta en cámara y además se debe seleccionar el método con el cual se va a dar movimiento a la cámara, existen al menos siete métodos básicos:
Pan, Panning, Paneo, Panorámica
Este es un movimiento en el que se narra una escena de forma horizontal. Con la cámara en un tripié, lo que nos dá un punto estático, la cámara debe "voltear" en la mayoría de los caso siguiendo un objeto en movimiento que se mantiene en la misma localización en el cuadro. el panning puede ser hacia la derecha o hacia la izquierda
Tilt
En este movimiento se recorre la escena de manera vertical, como en el paneo pero en este caso se determina como up (arriba) o down (abajo)
Dolly / Travelling
En algunas ocasiones también llamado trucking o tracking shots. La cámara se coloca en un vehículo que se mueve junto con la acción generalmente siguiendo a un objeto o figura. En rodajes más complejos este movimiento requiere unas vías o tracks que se disponen en el el set para colocar la cámara en un carro que recibe el nombre de dolly. La cámara también se puede colocar en un auto, tren, avión o en una silla de ruedas, bicicleta, hasta en un carrito de supermercado (que representan métodos para estudiantes de comunicación, publicidad o cine muy accesibles). el dolly o travelling puede seguir la acción de izquierda a derecha o también puede ser de acercamiento y puede ir de un plano abierto hasta un close up, para destacar una característica de un sujeto o actor.
Hand-held shots
La cámara en mano se popularizó y extendió durante la segunda guerra mundial, cuando los reporteros de noticias, utilizaron cámaras más livianas como la Arriflex o Eyemos y las lanzaron al frente de batalla, produciendo algunas de las escenas más impactantes y realistas de todo el siglo XX, poco tiempo después la cinematografía comercial y los documentales se empezaron a producir con el nuevo estilo handheld que permite más realismo y dinamismo en las escenas que parecen también más espontáneas que con el cuidadísimo dolly
Como contradicción al mencionado estilo de mover la cámara en 1976 se desarrolla el sistema de steady cam, un mecanismo que se sujeta al operador y permite que la cámara pierda el temblor de la mano y la sensación de los pasos del camarógrafo, el efecto de movimiento y dinamismo del steady cam permite que la audiencia se sienta parte de la acción y transmite un nerviosismo que no podemos apreciar en un plano fijo o inmovil...
Grúa
Básicamente se puede definir como tomas de dolly en el aire, una grúa (o jib) es una pieza de maquinaria muy pesada, complicada de armar y de colocar en un set, pero es una manera muy util de mover una cámara hacia arriba, abajo, combinando además tilts y trabvellings hacia adentro o afuera, siguiendo una acción o moviéndose diagonalmente fuera de la acción. Una grúa es un brazo que tiene un contrapeso que permite el movimiento suave de la cabeza donde está montada la cámara. Obviamente es necesaria la operación de una persona muy hábil y calificada para estos mecanismos.
Zoom
Un lente zoom contiene un mecanismo que cambia la magnificación de una imagen. En una cámara fija esto significa que el operador puede hacer un close up sin moverse con respecto al sujeto. Con el zoom se puede cambiar la posición de la audiencia en la escena ya sea muy rápido o de manera suave sin cambiar la posición de la cámara y ahorrando mucho tiempo y problemas. Su utilización por parte de camarógrafos amateurs se debe a querer imprimir movimiento y dinamismo a una escena que no lo tiene, por lo tanto utilizarse con mucho cuidado y con tripie...
Tomas Aéreas Una variación de las tomas con grúa, normalmente tomadas con helicóptero. Utilizadas como inicio de un film, para establecer escenario, tono y movimiento. Con un helicóptero se puede ir a cualquier lugar, acercarse a la escena y abandonarla de manera elegante y dinámica.
RECOMENDACIONES SOBRE LOS MOVIMIENTOS DE CÁMARA
a. En cada toma los movimientos no deben realizarse en forma gratuita o no planificada. Todo movimiento de cámara debe tener un propósito, definiendo, antes de grabar, su objetivo visual inicial, su dirección y su objetivo final.
b. Comenzar por toma fija (objetivo inicial), realizar el movimiento y terminar en toma fija (objetivo final). Esto será de gran utilidad en el momento de la edición.
c. Se recomienda grabar primero en tomas fijas entre 10 a 15 segundos, ya que las cámaras suelen tener un retardo en comenzar a grabar desde que se acciona el botón de partida.
d. El movimiento debe ser parejo, continuo, estable, sin saltos.
e. La velocidad del movimiento de cámara deberá ser tal que permita al espectador apreciar lo que está pasando por la pantalla sin aburrirse o distraerse. La velocidad elegida dependerá del plano (abierto o cerrado) que se esté ocupando. Un movimiento en plano cerrado deberá ser más lento que uno en plano abierto.
f. En general, es recomendable hacer los movimientos de cámara con trípode.
